Арнхейм Рудольф
Искусство как терапия
Практическая деятельность врача начинается не с искусства, а с людей, попавших 
в беду, с жалоб и просьб пациентов. И тут хороши любые средства, обещающие 
исцеление: лекарства, физические упражнения, восстановительная терапия, 
клинические беседы с больным, гипноз - и почему это не может быть искусство? 
Принятые в своей среде с некоторыми сомнениями и подозрениями, на сцене 
появляются врачи, использующие при лечении больных искусство. Такой врач должен 
доказать свою правоту не только успешной практикой, но и убедительными 
теоретическими рассуждениями. От него ждут описания принципов, на основе 
которых искусство признается целительным средством.
Чтобы откликнуться на эти требования, необходимо рассмотреть природу разных 
видов искусства, а также те свойства, которые могли бы служить или, наоборот, 
препятствовать использованию его в качестве терапевтического средства. При 
таком взгляде на природу разных искусств и их нынешний статус можно обнаружить 
два важных признака искусства, релевантные для лечения: демократичность и 
гедонистские традиции западной эстетики.
В нашей культуре искусство имеет аристократическое прошлое: оно создавалось для 
ублажения королевской и церковной знати ремесленниками и мастерами, получившими 
в эпоху Возрождения дополнительное признание в виде статуса гениев. В ту пору 
искусство предназначалось лишь для немногих счастливцев. Однако не прошло и 
столетия, как развитие демократии привело общество к пониманию того, что 
искусство принадлежит народу, и не только в том смысле, что оно должно стать 
доступным для глаз и ушей каждого гражданина. Важнее была растущая убежденность,
 что каждый человек в действительности достаточно подготовлен к восприятию 
искусства и может извлечь для себя пользу общения с ним; кроме того, он 
обладает врожденными способностями для создания произведений искусства. Это 
революционное по своей сути воззрение обеспечило появление новых предпосылок 
для обучения искусству и подготовило почву для правильного понимания народного 
и так называемого примитивного искусства, а несколько десятков лет тому назад 
благодаря ему возникла мысль, что творческая деятельность способна вдохнуть 
жизнь в человека, нуждающегося в психической помощи, и стимулировать его такими 
способами, которые считались прежде привилегией одних лишь художников.
Это новое представление о полезности искусства вступило в противоречие с 
существовавшей тогда в Европе традицией, утверждавшей, что именно бесполезность 
является отличительной чертой всякого искусства. Когда искусство перестало быть 
носителем религиозных и монархических идей, новая ментальность средних слоев 
общества низвела его до уровня украшательства, доставляющего человеку 
наслаждение, а соответствующая философия заявляла при этом, что искусство 
служит лишь для удовольствия. Любой психолог мог бы сразу же отреагировать на 
подобный гедонистический подход, указав, что само по себе удовольствие не 
предлагает никаких объяснений, поскольку оно есть лишь сигнал, говорящий об 
удовлетворении какой-то потребности. Но тогда можно задать вопрос: каковы эти 
потребности? Первым, кто попытался дать ответ на него, имея в виду отдельного 
человека, а не общество в целом, был Зигмунд Фрейд, за ним последовали другие 
психологи и социологи.
Что касается меня, то я твердо убежден, что одна из основных функций искусства 
- познавательная. Все знание, которое мы получаем об окружающей 
действительности, доходит до нас через органы чувств, однако по тем образам, 
которые возникают у нас благодаря зрению, слуху или осязанию, отнюдь не просто 
узнать, какова природа и функции объектов внешнего мира. Вид дерева сбивает с 
толку, то же касается велосипеда и движущейся толпы людей. Сенсорное восприятие,
 следовательно, не может ограничиться фиксацией образов, попавших на органы 
чувств; оно должно искать структуру. В сущности, восприятие и есть не что иное, 
как обнаружение структуры. Последняя говорит нам, из каких элементов состоит 
объект и как они связаны друг с другом. Именно в результате открытия структуры 
на свет появляется картина или скульптура. Произведение искусства - это 
очищенная, увеличенная и выразительная копия объекта, порожденная восприятием 
художника.
Для наших целей еще более важно то, что все восприятие является символическим. 
Поскольку все структурные свойства суть обобщения, мы воспринимаем индивидные 
проявления как виды вещей, как разновидности поведения. Отдельный объект 
восприятия символически замещает целую категорию объектов. Таким образом, когда 
поэты, художники или пациенты врачей, лечащих искусством, воспринимают и рисуют 
дерево, изо всех сил тянущееся к солнцу, или вулкан в виде страшного агрессора, 
они опираются на способность человека в каждом частном случае увидеть общее во 
всем его разнообразии.
Мы понимаем далее, что наиболее существенные признаки воспринимаемой нами 
действительности реализуются в произведениях искусства в таких экспрессивных 
характеристиках, как форма, цвет, строение, движение. Таким образом, даже если 
оставить в стороне физические объекты, сохранив только их формы, цвета и т.д., 
все эти "абстрактные" единичные проявления сами могут символически объяснять 
соответствующее поведение. Это дает врачу возможность выявить основные 
наклонности и пристрастия своих пациентов не только по легко узнаваемым 
предметам, представленным в их работах, но и по абстрактным рисункам. И, 
конечно, по той же самой причине абстрактные музыкальные формы воспринимаются 
как высказывания о способах существования и деятельности.
В таком случае восприятие полностью символично. Строго говоря, мы никогда не 
имеем дела с отдельным, уникальным индивидом, перед нами всегда оказывается 
типизированный предмет или человек вместе со всеми характерными для него 
обобщенными свойствами.
Наряду со способностью строить обобщения, этой основной операцией, 
необходимость в которой диктуется практическими потребностями, человек обладает 
еще одной способностью, дополняющей первую, как то: отбирать и подставлять на 
место реальных ситуаций их мысленные копии. Подобно ученым, в. ходе 
экспериментов изучающим ответные реакции на класс ситуаций, все мы разыгрываем 
в воображении аналоги реальных ситуаций, которые нас интересуют. Это могут быть 
простые "мысленные эксперименты", когда в уме ищется ответ на вопрос: "Что бы 
произошло, если бы?.." - однако такие визуальные ситуации могут и 
материализоваться, как в театральных импровизациях психологической драмы, в 
рассказывании различных историй, а также в картинах и скульптурах, выполняемых 
в ходе лечения. При этом хорошо известно, что создатели подобных изображений 
вовсе не обязаны отражать объективные факты, как это делают ученые в своих 
экспериментах, а могут формировать свои представления исходя из собственных 
потребностей.
Замечательно, что такие перевоплощения воспринимаются как субституты реальных 
объектов. Творческое исполнение и работы, создаваемые в кабинете врача, 
настолько же отличаются от простой игры воображения, насколько превосходят 
нормальные проявления личных пристрастий и оценок. Поистине поразительно, что 
больные, встретившись с образом страшного отца или желая мысленно овладеть 
объектом вожделенной страсти, зачастую вели себя так, словно участвовали в 
реально происходящих событиях. Они в самом деле храбро шли на столкновение с 
тираном отцом, действительно овладевали прекрасной женщиной или желанным 
мужчиной. Я полагаю, что мы до сих пор относимся к подобному так называемому 
"заместительному" поведению с незаслуженным презрением. Нам кажется, что люди, 
практикующие такого рода поведение, просто позволяют водить себя за нос, 
поддавшись воздействию образов, без особого труда порождаемых их испорченным 
воображением. Все дело в том, что мы обычно готовы признать лишь один вид 
реальности, а именно физическую реальность, в то время как люди гораздо больше 
существа психические, нежели физические. Физические объекты всегда действуют на 
нас как психические впечатления. В конечном счете мы оцениваем событие как 
победу или поражение исключительно по тому, как оно воздействует на нашу 
психику. Утрата свободы, потеря собственности, даже телесные повреждения 
приходят к людям в виде психических ощущений.
Коль скоро мы с уважением относимся к представителям художников или мистиков 
как к надежным фактам действительности, то мы должны пойти дальше и признать, 
что если мы хотим сориентировать человека в направлении, так сказать, законов 
действительности, то следует не уводить его от "простой" психической реальности 
к "истинным" фактам физического мира, а научить его приспосабливать возникающие 
психические образы к тем реальным событиям, которые могут произойти в 
уготованном ему будущем. Правильность таких образов нужно проверять самым 
серьезным образом и не только потому, что она является симптоматичной, но и 
потому, что последствия этих образов являются столь же материальными и 
осязаемыми, сколь и последствия событий, происходящих в так называемом реальном 
мире.
Все сказанное имеет прямое отношение и к вопросу о важности качества, или 
художественного совершенства, создаваемых работ. Некоторые врачи считают, что 
работа должна быть выполнена пациентом как можно лучше; это мнение проистекает 
не из догматического требования высших эстетических достижений ради них же 
самих, а из внутреннего убеждения, что по-настоящему хорошее произведение 
искусства дает терапевтический эффект, которого нельзя достичь меньшими 
усилиями. Прежде всего качество непосредственно связано с действительной 
подлинностью искусства. Хорошие произведения говорят правду. Очевидно, что это 
утверждение в точности противоположно тому, что говорил об искусстве Фрейд. Тот 
считал хорошую форму чистым украшением, предназначенным для того, чтобы 
заставить зрителя с благосклонностью принять переданное в содержании работы 
удовлетворение подсознательных желаний. Мне такой подход всегда казался крайне 
неубедительным, поскольку я в подобном украшательстве не вижу никакой 
необходимости. Кроме того, мы отнюдь не испытываем отвращения от исполнения 
желаний как такового. Мы охотно принимаем идеального героя, триумф добродетели 
или наказание порока, если те представлены в искусно выполненных работах. И 
делаем это не потому, что нам дали взятку в виде красивых форм и приятных 
картин, чтобы мы восприняли мечты художника, а потому, что хороший художник 
всегда доказывает нам, что желаемый результат может явиться вполне адекватным 
отражением действительности. В обстоятельствах, когда состояние человека 
раскрывается, так сказать, в "чистом виде", добродетель действительно 
вознаграждается, а зло наказывается - по той простой причине, что добродетель 
способствует увеличению благополучия и процветания, а зло этому препятствует. 
Посредственные по своему качеству работы отвергаются, если удовлетворение 
желаний в них достигнуто ценой искажения истины. Когда путь к благополучию 
представляется невероятно успешным, а добро безо всяких усилий оказывается 
действенным, когда зло, исходящее от негодяя, выглядит однообразным, а 
обольстительная женщина кажется лишь игрой похотливого воображения, мы 
протестуем, поскольку не выносим предательства по отношению к истине.
Точно так же по мнению врачей, занимающихся лечением искусством, качество 
работы пациента непосредственно связано с тем, изображает он или нет 
правдоподобную реальность. Это, как мы знаем из публикаций, касается даже 
фантастических картин некоторых одаренных психотиков.
Деструктивная сила психоза может освободить воображение от оков традиционных 
норм, и стилизованные образы, создаваемые больными, нередко с жестокой 
откровенностью демонстрируют нам скрытые стороны человеческого опыта.
Реальный статус произведения искусства не зависит ни от конкретного направления,
 ни от уровня сложности.
Ранее я уже упоминал о нашей "демократичной" оценке примитивных форм искусства. 
Такой подход дает нам возможность увидеть, что даже самые простые изделия могут 
удовлетворять требованиям высокого качества. Мы ищем представления, 
сформированные под влиянием непосредственного опыта, а не окаменелые образы, 
создаваемые в результате действия механически применяемых схем. Важно то, что 
благодаря формам, цветам или каким-то иным средствам образы могут стать 
доступными для наблюдения и при этом выступают с максимальной действенностью и 
ясностью. Форма служит не для гедонистического умиротворения, а является 
необходимым инструментом передачи полезных сообщений.
Очевидно, что большинство пациентов, подвергающихся лечению искусством, 
находится в затруднительном положении из-за плачевного состояния преподавания 
искусств. Недостаток практики, отсутствие уверенности, следование невысоким 
образцам - все это мешает обычному человеку развить свои природные творческие 
способности. Думается, что врачи не могут не учитывать такую печальную ситуацию.
 Они не должны считать, что для их конкретных задач качество работы, 
выполненной пациентом, никакого значения не имеет.
Эстетическое совершенство, по сути дела, есть не что иное, как средство, с 
помощью которого художественные высказывания достигают своей цели.
Образы при этом не только должны быть правдивыми, они также должны быть 
доведены до как можно лучшей реализации; ведь именно благодаря своей 
прозрачности и мощи объект искусства воздействует на человека, в том числе и на 
автора произведения.
Мы не делаем в этом отношении каких-то различий между великими произведениями 
немногих счастливцев и скромными работами, созданными в кабинете врача. Однако, 
отделяя все же великое искусство от заурядного, мы хотим указать на два 
противоположных пути. С одной стороны, путь от великих произведений к 
простейшим связан с падением оригинальности, сложности, со снижением здравого 
смысла. Стоит, тем не менее, подчеркнуть, что даже фольклорные мотивы или 
рисунки детей обладают каждый своим определенным уровнем цельности и 
совершенства и способствуют развитию и процветанию человеческого разума. С 
другой стороны, большое искусство противостоит падению эстетических вкусов, 
вызванному коммерциализацией индустрии развлечений, а также деятельностью 
средств массовой информации. Идущее отсюда растление умов мешает людям наладить 
связи с их собственной деятельностью и развить творческие способности. Именно 
это, следовательно, является наиболее опасным препятствием, мешающим работе 
врача, лечащего искусством.
Когда искусство свободно от сковывающих и пагубных для него уз, оно 
обнаруживает настолько жесткую и бескомпромиссную логику, что автору 
произведения не остается ничего другого, как представить факты в соответствии с 
их внутренней природой, независимо от личных желаний или опасений. Искусство 
может настолько безошибочно передавать события и факты, что те с гораздо 
большей силой, чем в повседневной практике, предъявляют свои требования и 
претензии. Здесь уместно вспомнить об одной моей студентке в колледже, 
талантливой и умной молодой женщине, которая вела в то время мучительную борьбу 
с противоречиями, порожденными воспитанными в ней с детства религиозными 
убеждениями и вызывающим у нее резкий протест поведением отдельных религиозных 
лиц и властей. Когда конфликт, разрешение которого требовало от нее большого 
мужества, был в самом разгаре, девушка решила исполнить фрагмент сольной 
хореографии под названием "Танец великого инквизитора". В этом танце, 
родившемся под влиянием образа стоящей перед глазами фигуры и вопреки 
осознанным намерениям и традиционным нормам, она передала грубый и демонический 
характер догматизма, что сделало для нее неизбежной встречу лицом к лицу с 
фактами, с которыми ей всячески не хотелось соприкасаться за пределами танца. 
Нет никаких сомнений в том, что цельность девушки как танцовщицы помогла 
становлению ее как личности.
В заключение позволю себе высказать предположение, что лечение искусством, 
вовсе не заслуживающее того, чтобы его считали пасынком среди искусств, можно 
рассматривать как модель, способную вернуть различные искусства к высокой 
творческой продуктивности. Мне представляется бесспорным, что в последнее время 
деятельности наших художников, скульпторов и прочих мастеров, как правило, не 
хватало искры подлинности. Любовные интрижки с чисто формальными чувствами, 
увлеченность примитивными прелестями насилия и эротики привели к тому уровню, 
который мы имеем сегодня в галереях и музеях. Эти произведения среднего 
качества кажутся талантливыми, но мало к чему обязывающими и не ставящими перед 
собой какие-то цели.
В таких ситуациях первенство должны захватить прикладные искусства, а лечение 
искусством как раз относится к таковым. Цель всех этих искусств состоит в том, 
чтобы на своем примере показать, что всякое искусство, дабы не потерять силу и 
не угаснуть, должно отвечать важнейшим потребностям и запросам человека. Эти 
потребности часто более заметны в среде больных, а потому более очевидной 
является и та польза, которую извлекают для себя больные от встречи с 
искусством. Показывая, что оно может сделать для людей измученных и страдающих, 
искусство напоминает нам о своем предназначении служить каждому.
СТИЛЬ КАК ПРОБЛЕМА ГЕШТАЛЬТА
До тех пор, пока культура ведет себя самым обычным образом и никак себя не 
проявляет, проблемы природы стиля не возникает. Постоянные признаки культурных 
ситуаций могут оставаться незамеченными и потому не доставляют никаких проблем. 
Лишь с появлением ряда альтернативных течений, провоцирующих их неизбежное 
сравнение, лишь когда на смену преобладающим в культуре однородности и 
однообразию приходят различные стили, борющиеся за приоритетное положение, сама 
культура находит в своей среде и выдвигает на передний план мыслителей, 
волей-неволей вынужденных решать, какой именно базис нужен для оптимального 
функционирования культуры и каковы те условия, которые способствуют или 
угрожают такому функционированию. Что же касается нашей культуры, то она, по 
всей видимости, вступила сегодня в свою критическую фазу. Так, музыковед Ф. 
Блюм называет девятнадцатый век "истерзанным" и "полным противоречий" - образ, 
особенно пугающий потому, что этот период идет вслед за классическим веком 
музыки, отличающимся ярко выраженным постоянством и однотипностью эстетических 
вкусов и устремлений. Между тем двадцатый век еще более ошеломил нас 
сверхбыстрым появлением разных путей зарождения живописи. Эта волнующая 
ситуация поставила ряд вопросов, касающихся необходимых условий развития 
творческого стиля.
Стиль как способ эстетического воздействия
Вопросы эти представляются нам крайне актуальными, ибо относятся не только к 
качеству произведений искусства, но и к характерным особенностям их авторов, а 
этот аспект анализа является новым. Разные культуры предложили сразу несколько 
способов оптимального решения конкретных художественных задач, и хотя все эти 
способы были вполне приемлемы, выбор конкретного решения мог быть удачным 
только в рамках сложившейся традиции. Так, живший в эпоху классической 
античности Витрувий считал, что с точки зрения степени уместности 
альтернативный выбор между дорическим, ионическим и коринфским ордерами должен 
определяться характером божества, в честь которого возводится храм. В своей, 
оказавшей заметное влияние на теорию стилей книге "Стиль и иконография" Ян 
Белостоцкий отмечает, что в классической риторике величественный стиль речи 
резко отличается от вторичного, более простого стиля. В какой-то степени 
похожая ситуация имеет место в китайской и японской каллиграфии. Так, совсем 
разным целям служили ясный, простой напоминающий печатные буквы стиль kaisho, 
более мягкий, с округлыми буквами стиль gyosho и плавный, непринужденный 
рукописный стиль socho. Обратившись, наконец, к нашему недавнему прошлому, 
вспомним про письмо Николя Пуссена к одному из его патронов, шевалье де Шантелу,
 в котором Пуссен рассматривает разные способы построения музыки у древних 
греков и пишет, что картины тоже следовало бы рисовать разными способами в 
зависимости от конкретных особенностей изображаемых объектов. Ссылаясь на 
письмо Пуссена, Ян Белостоцкий замечает, что во многих случаях различия, 
приписываемые стилю, в действительности являются различиями в способе 
изображения, т.е. объясняются характером содержания, а также свойствами 
социального окружения и прихотью заказчика, для которого создаются картины. Он, 
в частности, указывал, что в девятнадцатом веке некоторые стили прошлого, такие,
 как классицизм или готика, стали модальными прецедентами, появление которых 
было вызвано разными задачами, а потому даже различие форм выражения, 
относящихся к романтизму, правильнее было бы описывать в терминах модальных, а 
не стилистических противопоставлений.
Способы изображения на картинах, диктуемые конкретными целями, обычно считались 
не зависящими от личности их автора. Так, Пуссен полагал, что выбираемая манера 
письма не зависит от авторского отношения и не должна ему приписываться. Пуссен 
был вынужден защищаться именно таким образом, поскольку к тому времени стало 
очевидно, что искусство - это не просто техника и мастерство композиционного 
построения картины, но прежде всего отражение в ней личности самого художника. 
Уже работы Микеланджело показали, что изменения в его стиле с течением времени 
были связаны не со сменой содержания вкусов у его патронов, а с ростом зрелости 
размышлений и чувств художника. В еще большей мере это стало свойственным 
будущему поколению художников, и когда в наше время Пикассо легко переходит от 
одной стилистической манеры к другой, мы больше уже не можем объяснять его 
искусство одной только ловкостью рук мастера. Стиль как проявление личности и 
свойств социального контекста стал синдромом, по которому мы судим о культуре в 
целом и об отдельных ее признаках. Поколение, обеспокоенное "кризисом личности",
 вынуждено было заняться выявлением условий существования стилей, 
обусловливающих их распространение или исчезновение. В более узких рамках 
искусства стиль стал одной из предпосылок хорошего качества произведения. А 
потому не удивительно, что среди авторов высказываний о природе стиля есть не 
только философы и психологи, но и крупнейшие историки искусств.
Современные представления о стиле и связанные с ними проблемы
Кроме того, были и чисто профессиональные причины для беспокойства по поводу 
стиля. Историки искусств постепенно начинали разочаровываться в традиционной 
модели истории искусств, которая представляет собой линейную последовательность 
изолированных замкнутых периодов, каждый из которых отличается постоянством 
признаков и возможностью датировки, т.е. установления начала и конца своего 
бытования. По мере того как ученым открывалась подлинная сложность исторических 
фактов, явлений и событий, возникала все большая необходимость в новой модели, 
учитывающей все виды пересечений, исключений, охватов, разделений и сдвигов во 
времени. Четкие границы между последовательными стилями становились размытыми и 
спорными. Эрвин Панофский открывает свою книгу об эпохе Возрождения и о 
возрождении западного искусства следующими словами: "Современная наука со все 
большим и большим скептицизмом начинает относиться к периодизации стилей". И 
все же, несмотря на внешнюю неупорядоченность общей картины, выявившуюся в ходе 
научных изысканий, глубинная парадигма сохранилась и продолжает сохраняться 
неизменной. Практика использования стилей в качестве рубрик, определяющих 
период (ср. романский) или индивида (ср. кубист), существует и по сей день.
Нам кажется, что к основным проблемам, вызванным таким положением дел, можно 
было бы подойти с позиций теории гештальтов. Дело в том, что проблемы стиля 
относятся к структуре, а теория гештальтов наряду с критикой структурализма 
много внимания уделяла и продолжает уделять вопросам структуры, описывая ее с 
большой теоретической и практической точностью. Ниже я буду частично опираться 
на законы, уже сформулированные в рамках этой теории, а кроме того, осмелюсь 
предложить некоторое возможное ее расширение, которое в конечном счете могло бы,
 видимо, занять определенное место среди работ в данной области. Прежде чем, 
однако, это сделать, я коротко рассмотрю ряд аспектов той же проблематики, 
которые еще ждут подробного изучения в рамках развиваемого здесь подхода.
Постоянство стилей
Прежде всего стиль - это интеллектуальное понятие, рожденное под влиянием 
несметного числа перцептуальных наблюдений. Сказанное относится как к стилю 
вообще, так и к каждой его конкретной разновидности. А потому было бы полезно 
всякий раз научиться узнавать, идет ли речь о понятии или о его перцептуальном 
источнике. Как психический конструкт стиль, подобно всем прочим понятиям, 
остается неизменным, "пока не замечен другой". Такое понятие, как, например, 
маньеризм, может время от времени меняться, однако, если мы хотим им 
пользоваться как инструментом анализа, оно в каждый данный момент должно иметь 
постоянное значение. Так, когда Мейер Шапиро определяет стиль как "постоянную 
форму" - а иногда и постоянные элементы, свойства и выражение - в искусстве 
отдельного лица или группы", то это определение опровергнуть невозможно, 
поскольку оно характеризует стиль как умственный конструкт. Спор о стилях 
возникает лишь в том случае, когда свойство "быть постоянным" приписывается 
референту концепта, то есть реальному, фактическому объекту - прообразу стиля. 
В традиционной модели истории искусств, о которой я упоминал выше, постоянство 
рассматривается как необходимое условие бытия стиля. Скептики могут задать 
вопрос: в каком именно отношении стили могут считаться постоянными?
Каковы критерии постоянства? Если считать, что стиль должен называться 
"постоянным" лишь в случае, когда все его свойства остаются неизменными, то 
придется признать, что никаких постоянных стилей никогда не существовало. Можно 
было бы попытаться ослабить требование постоянства, определив, какие признаки 
стиля являются существенными, и далее выяснить, постоянны или нет именно эти 
признаки. Аналогично, если под стилем понимается не простая сумма признаков, а 
структура, то можно каждый раз узнавать, считается ли постоянной именно 
структура, а не сумма признаков. Между тем и тут остаются нерешенными некоторые 
проблемы. Готовы ли мы считать стилем художника только то, что сохраняется 
инвариантным, когда его ранние работы уступают место поздним? Или мы будем 
различать ранний и поздний стиль? И если да, то сколько изменений и какие 
именно мы разрешим с тем, чтобы после этого можно было говорить о "некоем" 
стиле?
Вспомним, что к определению понятия стиля можно подойти с двух сторон; речь 
идет о дедуктивном и индуктивном подходе. Арнольд Хаузер, например, задает 
вопрос, следует ли рассматривать известные принципы Вельфлина как априорные 
категории, и сам же отвечает на него отрицательно, что вполне правильно, ибо 
иначе эти принципы поднялись бы в ранге и стали бы относиться к порождающим 
факторам, возможности которых устанавливались бы исходя из некоторого общего 
условия, свойственного природе индивида или искусства. Так, Цветан Тодоров, как 
отмечает, ссылаясь на него, Энн Банфильд, различает исторические и 
теоретические жанры в литературе. Последние он выводит из некоего 
теоретического порядка, определяющего количество допустимых жанров, подобно 
тому, как в химии периодическая таблица устанавливает число возможных 
химических элементов. С другой стороны, Дж. Шмоль (Айзенверт) полагает, что 
если принять принцип стилистического плюрализма, то, отдавая ему должное, можно 
описывать исторический период как "многоугольное поле напряжений", в котором 
каждое отдельное явление отличается характерной конфигурацией каких-то 
конституирующих категорий.
Это рассуждение могло бы показаться слишком схоластичным, если бы не удалось 
показать, что "априорные" категории возникают из постоянных свойств инструмента 
и одушевленного агента. Полвека назад я попытался вывести свойства и реальные 
возможности новых средств кино, радио и телевидения, тогда находившихся на заре 
своего развития, из анализа их технических характеристик. В принципе такого 
рода дедуктивная процедура действительно могла бы предсказывать, какие виды 
стилей способны развиться в данной среде.
Исторические определения
В самом общем виде можно сказать, что разные понятия стиля возникают в 
результате индуктивных наблюдений. Здесь, однако, мы сталкиваемся с весьма 
своеобразной проблемой. Художественный стиль является единственным находящимся 
в нашем распоряжении средством, с помощью которого можно классифицировать 
произведения искусства именно как объекты искусства. Теперь, когда мы 
определяем объекты по их признакам, мы распознаем эти признаки один независимо 
от другого. Можно охарактеризовать вишню по ее красному цвету, если известно, 
что такое красный цвет. Однако, если мы попытаемся определить красный цвет как 
свойство, которым обладают вишни, то тотчас же попадем в затруднительное 
положение.
В искусстве мы встречаемся именно с таким угрожающим логическим кругом. Так, мы 
называем эстетические свойства определенных исторических групп объектов 
искусства сюрреалистическими, а затем применяем этот пучок свойств для 
определения того, кто и что относится к направлению, именуемому сюрреализмом. 
Разумеется, можно неким законодательным образом нормализовать и 
стандартизировать составляющие стиля, как это делается в манифестах Бретона или 
Маринетти, однако эти программы сами являются продуктами стиля, а не понятиями, 
используемыми для научной классификации.
В поисках независимого установления стилистических направлений историки 
искусств зачастую определяют стили, исходя из политических или культурных 
периодов их расцвета. Искусство династии Сун описывается как стиль, тем не 
менее нет каких-либо априорных причин считать все искусство трехсотлетнего 
периода принадлежащим одному стилю.
Чтобы установить, был такой стиль или нет, не утверждая этого голословно, 
нельзя давать дефиницию стилю, например Сун, как искусству, получившему 
распространение во время правления императоров династии Сун. То же можно 
сказать и о географически ориентированных понятиях стиля, таких, как 
венецианское или флорентийское искусство. Наименее удачным представляется 
определение стиля исходя из календарных дат. Если еще можно ожидать сходства 
среди множества проявлений общественных, культурных и художественных тенденций, 
то от различного содержания календарных вех, распределенных по шкале 
хронологического времени, никакого родства ждать не приходится. Время само по 
себе не является причинным фактором. Фактически, когда мы говорим, что 
пятнадцатый век в Италии был периодом кватроченто, мы контрабандой вводим 
эстетические коннотации в чисто временное понятие. (В своей ранней работе 
психолог Курт Левин изучал отношение между "типами" явлений и их воплощением в 
опыте. Он обнаружил, что в истории искусств предпринимались попытки, в 
частности, Полом Франклем, отделить одно понятие "барокко", рассматриваемое как 
исторически и географически отграниченную группу произведений искусств от 
других групп, от другого "барокко", понимаемого как вневременная разновидность 
стиля.)
Безнадежная сложность
Ситуация не была бы столь серьезной, если бы стили были компактными цельными 
сущностями. Именно такими казались крупные направления, когда их удавалось 
интерпретировать как малые. Вызывающий беспокойство историков хаос связывается 
обычно с самое большее двумя последними столетиями. Однако по мере того, как 
историки пристальнее вглядываются в прошлое, все яснее становится, что старые 
монолитные стили фактически представляют собой сложные комбинации разных 
стилевых пластов, находящиеся в весьма не простых соотношениях с теми или иными 
местами и датами. Примеры можно найти повсюду. Хаузер отмечает, что остается 
"открытым вопрос, какие из разнообразных по действию тенденций, проявившихся в 
Италии в период смерти Рафаэля, следует считать наиболее характерными и важными.
 Классицизм, маньеризм и раннее барокко соседствовали и процветали друг возле 
друга, так что ни одно из этих направлений нельзя было назвать ни устаревшим, 
ни преждевременным". Эрвин Панофский высказывает парадоксальное суждение, что 
"своей кульминации средневековый классицизм достиг внутри готического стиля 
точно так же, как классицизм семнадцатого века, представленный творчеством 
Пуссена, достиг своего апогея в пределах барокко; да и классицизм позднего 
восемнадцатого и раннего девятнадцатого веков, выраженный в работах таких, 
например, художников, как Флаксман, Дэвид и Асмус Карстенс, расцвел также в 
другую эпоху - эпоху "романтической чувствительности". Стало к тому же 
очевидным, что чем крупнее художник, тем менее вероятно совпадение его 
индивидуальной творческой манеры с общим стилем современной ему эпохи. На самом 
деле совсем не просто вообще найти художника, чьи работы, взятые в совокупности,
 можно было бы отнести к какому-то одному течению, например, к импрессионизму 
или к кубизму.
Затруднения, связанные с традиционно принятым подходом, напоминают один из 
эпициклов птолемеевской Солнечной системы. Придерживаясь традиционной модели, 
приходится мириться с поистине неразрешимыми проблемами. На симпозиуме, 
посвященном понятию стиля, материалы которого вышли сравнительно недавно под 
редакцией Бэрела Ланга, историки искусств выглядели обреченными и 
капитулировавшими перед огромными трудностями. Поскольку основные проблемы со 
стилем возникают в связи с его временной интерпретацией, Джордж Каблер 
предложил ограничить понятие стиля исключительно пространственными рамками, а 
именно, понимать под стилем "описание недлящихся, синхронных ситуаций, 
состоящих из взаимосвязанных событий", что кажется мне решением, напоминающим 
попытку представить анализ законченного музыкального сочинения с помощью одних 
только нескольких вертикальных линий, ограничивающих такты нотного клавира. 
Светлана Алперс предлагает менее радикальный выход. Она хочет избежать 
упоминания о стиле вообще, настаивая, например, на "обучении живописи 
голландцев семнадцатого века, а не художников северного барокко". Между тем 
живопись как вид искусства нельзя описать иначе, как с помощью стилистических 
категорий, и если мы не хотим, чтобы искусство голландских художников выглядело 
беспорядочной кучей не связанных друг с другом картин, нам все равно следует 
искать признаки этого искусства как единого художественного стиля.
Объекты против силовых полей
Вместо того, чтобы покинуть этот тонущий корабль, разумнее посмотреть, нет ли 
другой парадигмы, и таковая вскоре находится. Самое радикальное изменение, 
происшедшее в истории теоретического мышления, вероятно, заключалось в переходе 
от атомистического представления о мире как о множестве четко очерченных 
предметов к представлению о мире как о поле сил, изменяющемся во времени. 
Известная нам, главным образом из современной физики, концепция силовых полей 
утверждает, что силы организуются в поля, взаимодействуя друг с другом, 
группируясь, соревнуясь, соединяясь и расходясь. Плотные твердые тела больше не 
считаются основными объектами, становясь побочным продуктом особых условий, 
задающим границы в пространственно-временном потоке событий; при этом они могут 
служить прочной упаковкой для других объектов. В таком мире скорее правилом, 
нежели исключением, является одновременное сосуществование разных событий. 
Изменчивость предстает как явление более нормальное, чем постоянство, а 
вероятность встретить линейную последовательность твердых, неразмытых единиц 
является крайне малой. И в то же время эта новая модель, так же, как и старая, 
вполне поддается теоретическому анализу.
Методологию для подобного динамического подхода к структуре дает теория 
гештальтов. Она возникла в начале нашего столетия как следствие упомянутой выше 
динамической концепции. Гештальт представляет собой не множество отдельных 
элементов, а конфигурацию сил, взаимодействующих в силовом поле. Поскольку 
гештальт-подход имеет дело со структурой, ему удается избавиться от многих 
псевдодихотомий. Например, постоянство и изменчивость несовместимы лишь до тех 
пор, пока целое определяется как сумма частей, между тем как в теории 
гештальтов могут изучаться условия, благодаря которым структура остается без 
изменения, хотя сами средства, обеспечивающие постоянство, могут подвергаться 
изменению. Эта теория способна также предсказывать условия, при которых смена 
контекста влечет за собой модификацию структуры данного множества элементов. 
Она говорит, например, что если рассматривать, с одной стороны, способ, которым 
сам художник рассматривает свою работу, а с другой стороны - отличающийся от 
задуманного стиль, который данная работа обнаруживает в контексте целого 
периода, то между ними не будет никакого необходимого противоречия. Также не 
будет неожиданностью, если какая-то работа будет написана в другом стиле - в 
ситуации, когда мы рассматриваем эту работу как часть всего творчества 
художника. Выбор объекта нередко диктует свой конкретный способ представления 
структуры, и все эти способы могут быть равным образом объективно корректными.
Теория гештальта показывает также, что методологическое различение личного и 
группового ложно. Индивидуальность воспринимается только как структура, а 
последняя не зависит от количества ситуаций, с которыми она соотносится. 
Интерпретировать отдельно взятую работу художника - означает исследовать 
структуру его стиля, и эта процедура ничем не отличается от изучения 
эстетического направления какой-либо группы произведений или самих художников.
Прежде чем пойти дальше, необходимо несколько слов сказать о понятиях, которые 
могут быть непосредственно применены к предложенной здесь модели, а именно, о 
различении генотипов и фенотипов в биологии. В соответствии с тем, что я 
говорил выше об истории теоретического мышления, классификация растений и 
животных началась исторически с фенотипического описания видов как отдельных 
сущностей, выделяющихся среди прочих определенными внешними характеристиками, 
такими, как форма и цвет. Решающий поворот к генотипическому подходу произошел 
после того, как различные организмы стали восприниматься как наборы глубинных 
структурных признаков или групп признаков, так что таксономическая система 
теперь должна была основываться на самых глубинных свойствах, а не на их 
внешних проявлениях. Применяя этот "биологический" подход к истории искусств, 
придется отбросить представление о том, что стили - это ярлыки, навешенные на 
такие элементы искусства, как отдельные работы художника, его творчество в 
целом или эпоха в искусстве. Вместо этого история искусств предстает в виде 
потока событий, который при анализе кажется некой тканью, сотканной из 
разнообразных переплетающихся нитей, сходящихся и расходящихся в различных 
сочетаниях и где преобладают то одни комбинации, то другие. В результате 
профиль потока как целого меняется во времени. Его компоненты в разной степени 
зависят или не зависят друг от друга. Рубрики стилей, такие, как классицизм или 
фовизм, - это не сортировочные ящики, куда складываются произведения искусства 
или имена их авторов, по каким-то причинам считающиеся принадлежащими именно 
данной таре, а не другой. Стилистическая рубрика - это название системы средств 
и способов создания произведений искусства, определяемой использованием 
конкретных методов, содержанием произведений и многими другими факторами.
Стиль, понимаемый таким образом, можно проследить и выделить как отдельный 
элемент в работе одного или нескольких художников, существующий в один или 
несколько периодов времени в одном или разных местах; кроме того, стиль может 
проявить себя как господствующий или как вторичный, как устойчивый или как 
временный, изменчивый и т.д. Сезанн. не является ни импрессионистом, ни 
кубистом, а его индивидуальная манера письма может быть охарактеризована как 
целостная гештальт-структура, составленная из тех или иных стилистических 
компонентов.
Можно было бы считать, что это как раз те самые категории, которые описал 
Генрих Вельфлин в своей книге "Принципы истории искусств": линейность и 
живописность, закрытая и открытая форма и т.п. Если мы будем интерпретировать 
такие свойства не просто как вторичные признаки понятий типа классицизм или 
барокко, а как главные составляющие исторического процесса, то как раз придем к 
предлагаемой здесь парадигме.
Рассматривая стиль под новым углом зрения, мы сразу же обнаруживаем, что его 
нельзя определять на основе календарных чисел, когда он появляется и исчезает. 
Напротив, каждый стиль характеризуется своими конкретными признаками, 
проявляющимися выпукло в одном месте и времени, слабо или вообще незаметно в 
другом, а может быть и возникающими вновь спустя целые столетия в каком-то 
другом месте, изменившимися под влиянием нового контекста. Множественность 
стилей будет осознана как правило, а не как докучливое препятствие на пути к 
концептуализации, а однородность и постоянство стилей будут восприниматься так, 
как они и должны восприниматься, а именно, как редкое исключение.
Детерминизм и индивидуальность
Благодаря теории гештальта мы можем более четко изложить ряд проблем стиля. 
Среди них особо выделим проблему соотношения между исторической причинностью и 
единичной случайностью каждого отдельного события или факта. Хаузер пишет, что 
"несмотря на широкое участие в историческом процессе индивидуальных и 
социальных факторов, историческая мысль и исторические сочинения демонстрируют 
постоянный перекос в симпатиях то в сторону детерминизма, то в сторону 
индивидуализма".
Мне представляется, что детерминизм и индивидуализм следует рассматривать 
вместе. Каждый индивид всецело является порождением генетических факторов и 
свойств окружающей среды, а детерминирующие силы не производят ничего, кроме 
индивидных структур отдельного лица, группы лиц или структур объектов, таких, 
как, например, объекты искусства. Проблема возникает по той причине, что иногда 
каузальность понимается исключительно как свойство линейных цепочек событий. 
Такие каузальные цепочки, однако, попадая в гештальт-контекст, теряют свою 
индивидуальность. Каузальность, обусловливающая и управляющая образованием 
гештальта, представляет собой не линейную цепочку, а структурную организацию, 
не сводимую к простой сумме отдельных частей. Отсюда возникает представление, 
будто каузальность кончается там, где начинается индивидуальность, а история 
представляет собой процесс, управляемый каузальными связями, в то время как 
индивидуальные продукты истории интерпретируются как необъяснимые инородные 
образования, плывущие в потоке детерминированных событий. Это представление 
абсурдно.
Каждый индивид есть результат действия таких детерминистских факторов, как 
наследственность, среда и другие. Гештальт-контекст не способен ни вводить 
новые, дополнительные элементы, ни подавлять уже имеющиеся. Нельзя, 
следовательно, отделить художника как человека и гражданина от художника-творца,
 что пытался сделать, например, Курт Бадт, устраняя исторические факторы места 
и времени как "негативные определители". Единственная причина, по которой 
индивидуальное не равно сумме своих частей, состоит в том, что сам процесс 
образования гештальта организует части в совершенно новую структуру. Что же 
касается интеллектуальных объяснений линейной каузальности, то гештальт 
является предельным случаем, к которому можно подойти (хотя всякий раз не 
достигая полного соответствия), умело прослеживая и разумным образом 
устанавливая элементы и связи между ними в гештальт-процессе. Если данная 
процедура и не достигает цели из-за чрезмерных амбиций детерминизма, она все же 
избавляет гештальт от нигилизма не идущего ни на какие компромиссы человека. 
Больше того, человек может утешиться, осознав, что подобное ограничение 
свойственно каждой науке, общественной или естественной, когда та сталкивается 
с некоей целостной структурой. В конце концов мы приходим к единому взгляду на 
генетические и исторические процессы, при котором отдельные фазы этих процессов 
всякий раз объясняются причинно-следственными связями.
Для уяснения, почему одни наборы составляющих лучше других и, в частности, 
почему результирующая структура оказывается иногда согласованной, а иногда 
противоречивой, иногда мощной и ясной, а иногда слабой и рыхлой, можно 
усовершенствовать правила, управляющие формированием гештальт-структур. Если 
согласиться с этим положением, то можно констатировать, что хотя до объяснения 
причин появления гениев или имбецилов, хорошего или плохого искусства еще 
далеко, путь к их осмыслению в принципе больше не заблокирован.
Zeitgeist и формирование гештальта
С проблемой каузальности тесно связана другая проблема, которую ряд историков и 
психологов пытались решить, обратившись к понятию Zeitgeist (дух времени), по 
их мнению объединяющему началу философии и искусств данного периода. Такой 
подход вызывает серьезные возражения.
С похожей проблемой гештальтпсихология столкнулась еще на заре своего 
существования, когда Кристиан фон Эренфельс в своей первой работе "О свойствах 
гештальта" предположил, что гештальты отличаются от простого множества 
элементов некоторыми дополнительными свойствами. Прошло еще какое-то время, 
прежде чем такие психологи, как Макс Вертгеймер и Вольфганг Келер, с полным 
основанием смогли утверждать, что структура гештальта создается его составными 
частями и контекстом и ничем больше. Сегодня, однако, формулировки, описывающие 
отношение между "целым" и его частями, рискуют вызвать представление о том, что 
целое будто бы является порождающей единицей, действующей на составные части и 
находящейся под их воздействием.
В частности, Хаузер считает, что групповое сознание - это просто собирательное 
понятие, которое, как таковое, следует считать не "первичным", а "вторичным" по 
отношению к "объединяемым компонентам". Очевидно, что такое представление по 
существу верно, но Хаузер, видимо, не заметил возможности различения двух 
способов формирования гештальтов. Один тип гештальтов возникает при встрече 
отдельных изначально самостоятельных частей и их дальнейшей структурной 
интеграции; такая ситуация имеет место, например, при вступлении в брак двух 
людей и появлении вслед за тем нового поколения детей, начало которому положил 
именно этот брачный союз. Примером такого гештальта в искусстве может служить 
встреча и соединение линий импрессионизма и кубизма в картинах Сера или Сезанна,
 а также объединение мексиканского искусства с барокко, принесенным с собой 
испанскими завоевателями. При таких условиях борьба за единую и целостную 
структуру может как привести, так и не привести к успеху, и результирующий 
гештальт может состоять из более или менее одинаково сильных элементов. Эта 
борьба также может проходить под решающим действием одного или нескольких 
доминантных факторов, оказывающих сильное влияние на целое.
Есть, однако, и другой способ образования гештальта, когда его структура 
возникает из "организатора" в биологическом понимании этого термина, то есть 
когда гештальт порождается структурным управляющим элементом, определяющим вид 
и свойства результирующего целого. Наиболее очевидный пример доставляет яйцо 
или зародыш живого существа, а также тема, из которой развивается музыкальное 
сочинение. Когда Пикассо решил придать смыслу "Герники" визуальную форму, 
творческий замысел художника и его представления о теме воплотились в 
замечательной настенной картине, передающей духовную мощь автора. Разумеется, 
сама тема развивается и действует при рождении произведения как одна из его 
структурных составляющих, но вместе с тем она является и каузальным агенсом, 
существующим "до" самого произведения и дающим ему начало.
Идеал гармоничной и непротиворечивой структуры
В заключение мне хотелось бы показать, как теория гештальтов могла бы помочь в 
решении поставленного историками вопроса о форме исторического процесса в целом.

Есть ли какая-нибудь разумная и понятная логика, лежащая в основании истории 
человечества и определяющая действия ее творцов, или история человечества - это 
не более как divertimento (ит. - музыкальная пьеса наподобие вариаций или 
попурри. - Прим. перев.), состоящая из отдельных эпизодов и при этом столь 
слабо связанных друг с другом, что порядок их выглядит случайным и допускающим 
произвольные изменения? Очевидно, что история, как и любое другое макрособытие, 
может быть подчинена непосредственно законам детерминизма. Нам, однако, 
хотелось бы знать, в какой мере и с помощью каких средств события складываются 
в единую структуру. С четвертым измерением, временем, теория гештальтов 
поступает так же, как с тремя пространственными, и ставит вопрос: "При каких же 
условиях объединяются временные измерения, образуя высоко унифицированное 
целое?"
Как и пространство, время бесконечно, и потому всякий анализ структуры времени 
зависит от области его приложения. В искусстве эту область можно расширить до 
всей истории человека, начиная с пещер эпохи палеолита и кончая последними 
находками коллекционеров картин в Америке, но можно ее и сузить, ограничив 
рамками рождения одного произведения с начального замысла до его воплощения.
В частности, утверждается, что творчество одного художника является 
упорядоченным, в то время как на большем пространстве никакого порядка нет, или 
же декларируется, что определенной эпохе в определенном месте можно насильно 
навязать некоторую тему, как это сделал Вазари, охарактеризовавший возрождение 
итальянского изобразительного искусства от Джотто до Микеланджело как три века 
живописи - детство, юность и зрелость.
По всей вероятности, гармоничная и непротиворечивая структура возникает тогда, 
когда ею управляет простая конфигурация сил, почти не встречающая сопротивления.
 Так, например, обстоит дело в ситуации с баллистической кривой, находящейся 
под контролем сил притяжения и отталкивания. Сравним эту ситуацию с двумя 
разными возможными вариантами устаревшей игры в китайский биллиард. Если борт 
биллиарда наклонен, то согласованное действие на шар силы гравитации образует 
мощную тему, которая иногда воспринимается (а иногда нет) как оказывающая на 
структуру события большее влияние, чем оказывают препятствия, отклоняющие шар 
от его непосредственного курса. Если же борт биллиарда строго горизонтален, а 
действие на шар осуществляется благодаря различным пружинам, то результирующий 
эффект определяется тем, складываются ли динамические вектора в 
концентрированное действие или их действие неупорядоченно, хаотично. И в том, и 
в другом случае поведение шара бесспорно детерминированное, и он, следуя 
предназначенным курсом, достигает цели.
Интеллектуально наиболее простая и крайне привлекательная концепция истории 
заключается в представлении ее в виде последовательности сменяющих одно другое 
событий - от весьма скромных и непритязательных вначале до крупных и 
примечательных в наши дни. С таким взглядом на историю мы то и дело встречаемся 
в исследованиях по истории искусств. Так, Мейер Шапиро назвал Алоиза Ригля 
"самым конструктивным и обладающим исключительно ярким воображением историком, 
пытавшимся представить творческое развитие как единый непрерывный процесс". Из 
недавних попыток укажу на применение Сузи Габлик введенного Жаном Пиаже понятия 
стадии когнитивного совершенствования в эволюционном движении от раннего 
искусства Средиземноморья к абстрактным минималистам наших дней. Шансы на успех 
таких понятийных схем зависят главным образом от относительной величины 
постоянных импульсов. Первыми кандидатами в такие движущие силы являются 
основные свойства человеческого разума, особенно когда они достаточно заметны, 
чтобы их можно было считать биологически мотивированными. Центральным тут 
является закон выявления различий, приводящих от простых структур к сложным 
образованиям. С когнитивной точки зрения этот закон объясняет возрастание 
сложности действий и структур реакцией на усложнение окружающей 
действительности.
Когда мы наблюдаем, как художник работает над картиной, перед нашими глазами 
часто открывается доступный для изучения путь к решению поставленной им перед 
собой задачи. Стоит нам, однако, расширить область наблюдений до всего 
творчества данного художника на протяжении его жизни, как наше представление об 
уровне его творческой зрелости и компетентности меняется и уходит в перспективу 
и цель, складывающиеся в единый стиль с совсем непростой структурой. Когда мы 
станем рассматривать целый период, например, всю историю искусств вообще, наше 
желание сохранить структуру моделей по возможности более простой столкнется с 
исключительно мощным препятствием в виде огромного количества сил, стоящих на 
пути нашего стремления к пониманию.

Арнхейм Р. Новые очерки по психологии искусства. - М., 1994. с.272-295.