Историки искусства обычно разделяют творчество Пикассо на периоды: 
«голубой», «розовый», «негритянский», «кубистический», «классический» и так 
далее. Это деление, естественно, достаточно условно. Пикассо всегда искал формы,
 которые могли бы передать его мысли и чувства. Эти формы порой резко менялись, 
но не раз он возвращался к тем формам, которые, казалось, оставил; почти всегда 
он работал одновременно в разных манерах.
      Начало «голубого» периода принято относить приблизительно к середине 1901 
года, окончание – к концу 1904го. Хотя многое из того, что составляет 
содержание «голубого» периода, восходит еще к пребыванию художника в Мадриде с 
февраля по апрель 1901 года: «Женщина в голубом», «Дама в голубом». В это время 
Пикассо живет то в Париже, то в Барселоне.
      Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали. 
Картины пропитаны чувством тоски, отмечены некоторой болезненностью, они 
написаны в сумрачной, почти одноцветной гамме голубых, синих и зеленых тонов. 
Фигуры кажутся застывшими, скованными: «Любительница абсента» (1901), 
«Свидание» (1902), «Старый нищий старик с мальчиком» (1903), «Жизнь» (1903), 
Встреча» (1902), «Бедняки на морском берегу» (1903).
      Произведение переходного периода – от «голубого» к «розовому» – 
знаменитая «Девочка на шаре» (1905). Хрупкое, напряженное, изогнувшееся в 
балансирующем движении тело девочки дано в остро контрастном противопоставлении 
тяжелой, неподвижно устойчивой фигуре атлета. Однако, несмотря на резкую 
противоположность двух фигур, исключающую, кажется, общее между ними, в картине 
отсутствует настроение одиночества и разъединенности людей ранних работ Пикассо.
 Колорит картины построен на простых розовых и голубых тонах, данных в 
соотношениях столь сложных и почти неуловимых, как тончайшие нюансы 
человеческих чувств. Эти два цвета резко звучат в яркосиних и 
красноваторозовых тонах фигуры мужчины, замирают в нежных голубоватосерых и 
пепельнорозовых оттенках тела и одежды девочки и растворяются в 
голубоваторозоватой дымке. Мягкий колорит создает то лирическое настроение, 
которое объединяет фигуры, создает ощущение их связанности общей судьбой. 
Кажется, что странствующие гимнасты ранних работ Пикассо здесь обратились друг 
к другу и в ощущении хрупкой иллюзии духовной близости на время обрели 
непрочное равновесие своего бытия.
      В так называемом «розовом» периоде Пикассо (1905–1906) в фигурах исчезает 
скованность, тона делаются прозрачнее и воздушнее. Сложные нюансы 
розовозолотистых и серебристоголубых тонов служат средством раскрытия 
тончайших лирических настроений, поэтической прелести образов. Гуманистическая 
тема раздвигается. Пикассо привлекает большая человеческая семья или коллектив, 
скрепленный дружбой.
      Его излюбленными темами в этот период были акробаты, гимнасты и арлекины 
– «Семейство акробатов с обезьяной» (1905), «Гауклеры, семейство комедиантов» 
(1905), «Акробат и молодой арлекин» (1905), а также изображения женщин за 
туалетом – «Туалет» (1906), «Прическа» (1906), «Гарем» (1906). Его картины 
этого времени обнаруживают спонтанность, немыслимую в работах предшествующего 
периода. Тогда же были исполнены серии гравюр, в том числе офортов.
      В 1907 году Пикассо познакомился с Матиссом. В ту пору он углубленно 
осваивал наследие Сезанна, о чем свидетельствует «Портрет Гертруды Стайн» 
(1906), предвосхищающий кубизм, и следующая картина – «Авиньонские девицы» 
(1906–1907). Это произведение было понастоящему революционным, ибо порывало с 
традиционным способом изображения человеческой фигуры и пространства.
      Конструирование массивных грубых геометрических объемов или аналитическое 
разложение их на сопоставленные плоскости, цветовые и фактурные элементы, 
рассмотренные с разных сторон с помощью динамичной точки зрения, становится 
главной задачей художника. Так в 1908–1909 годах Пикассо совместно с Ж. Браком, 
влияя друг на друга, разрабатывают новый стиль – кубизм, ставший радикальным 
поворотом от поисков художественного эквивалента реальности к ее полному 
пересозданию.
      «Многие считают, – говорил Пикассо, – что кубизм – особый род переходного 
искусства, эксперимент, и результаты его скажутся только в дальнейшем. Думать 
так – значит не понимать кубизма. Кубизм не "зерно" и не "зародыш", а искусство,
 для которого прежде всего важна форма, а форма, будучи однажды создана, не 
может исчезнуть и живет самостоятельной жизнью».
      Идея художника, отойдя от привычных форм, донести внутренний смысл 
предмета: «Скрипка» (1913) «Абсент и карты» (1912), «Натюрморт с плетеным 
стулом» (1911–1912). Закладывая фундамент кубизма, Пикассо находился под 
обаянием негритянской скульптуры, так появился «Танец с покрывалами». И другие 
произведения этого периода не лишены национального звучания, а также некого 
декоративного излишества («Дама с веером», 1909; «Девушка с мандолиной», 1910).
      «Одно из самых значительных произведений кубизма – "Три женщины", на 
современный лад решающее тему трех граций… – пишет А.Г. Костеневич. – 
Ниспровергатель многих прежних представлений, Пикассо, как никто другой, умеет 
опереться на традицию. В "Трех женщинах" это выражается как в выборе темы, так 
и в обращении к приемам пирамидального построения. Позы левой и центральной 
фигур близки позе героини "Танца с покрывалами", но если там все плоскости 
перемещаются, подчиняясь бурному вихрю, то здесь движение и статика 
взаимоуравновешиваются в кристаллической форме. Вся группа действительно 
напоминает сложно разросшийся кристалл, а кристалл всегда растет таким образом, 
что в соединении его элементов присутствует конструктивная логика. Онато и 
управляет побуждениями художника. Кристаллическая однородность 
монументализированной группы подчеркнута решительным преобладанием